Merchandising en la novela gráfica

SKY DOLL

Bárbara Cánepa es una ilustradora italiana, autora de la novela gráfica Sky Doll. Sky Doll es una serie francesa de cómic de ciencia ficción de Alessandro Barbucci y Barbara Canepa, quienes también han creado W.I.T.C.H. y Monster Allergy. Ambientada en una corruptadistopía religiosa la obra sigue el viaje de una androide, Noa, que, muy a su pesar, se cruza en el camino de dos emisarios de la Iglesia al tratar de escapar de su condición de esclava. La serie, iniciada en el año 2000 y que hasta el momento cuenta con 3 volúmenes y varios especiales, ha sido publicada al completo (hasta 2011) en España por Norma Editorial en formato cartoné.

La acción sucede en un universo ficticio donde las papisas Ágape (representando al amor espiritual) y Ludovica (representando al amor sexual) entran en conflicto, dando como resultado la desaparición de Ágape y la creación de una distopía en la que las libertades espirituales y sexuales han sido pervertidas. Con los seguidores de Ágape declarados heréticos, Ludovica rige las vidas de casi todos los que viven en la galaxia a través del control exhaustivo sobre los medios de comunicación, usando "milagros" para impresionar al populacho fanático.

El personaje principal es Noa, una muñeca (o sky-doll, androides que parecen vivos con aspecto de jovencitas, sin derechos y que solo existen para cumplir los deseos de su poseedor) a la que se le debe dar cuerda cada treinta y tres horas con una llave en posesión de su amo, lo que lo convierte en el dueño de su existencia. Pero Noa no es como las otras androides: es capaz de soñar y de recordar sus sueños. Cuando su dueño, "Dios", muere en extrañas circunstancias, Noa logra escapar escondiéndose en un compartimento de la nave espacial de Roy y Jahu, dos enviados de Ludovica, quien en ese momento gobierna el planeta Papathea. Al final Noa se ve involucrada en su peligrosa misión en contra de su voluntad mientras misteriosos poderes dan a entender que es más que un androide normal y corriente.

Debido a su creciente popularidad, ésta cuenta con productos como ropa, juguetes, etc.

Promoción y posibilidades de comunicación a través de la intervención gráfica de espacios.

La promoción es fundamentalmente comunicación, transmisión de comunicación del vendedor al comprador.

Se analiza a través de distintos medios con el fin de estimular la demanda. Uno de los muchos recursos que se pueden utilizar es la publicidad a través de la intervención de espacios.

Este sería un medio de transmisión de información impersonal, porque se dirige a todo el mercado, cuyo mensaje es controlado por el anunciante.

Por ejemplo esta promoción de Hombres de Negro 3, en la que el objetivo de la acción era dar a conocer el estreno de la película y se crearon para ello réplicas de basureros con dispositivos en su interior que al ser activados a distancia, buscaban sorprender a las personas que pasaran por ahí.

En ocasiones los productos se compran no por sus características o ventajas, si no por su imagen, y por lo que el producto simboliza. Para crear imagen, en general, no se centran en las características, si no en crear impresiones.

En este caso se trata de un enorme conejo amarillo imaginado por el artista de Rotterdam , Florentijn Hofman para la Bienal de Oreboro (Suecia).

Una escultura sorprendente que mide más de 13 metros de alto, simplemente titulada “Big Yellow Rabbit”, que seguro llama la atención de los que pasen por esta plaza de Oreboro.

Un Género que renueva el Mundo Visual: Los Libros de Artista

El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico. 

Es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación.
La imagen y el texto se conjugan, predominando en general aquella sobre éste. A veces se trata de ejemplares únicos, pero otras se producen en pequeñas ediciones. Otras veces se trata de objetos intermedios entre la pintura y/o el grabado, y la escultura. Otras, el carácter lo aporta el hecho de tratarse de intervenciones sobre libros ya editados, lo que se conocen como libros alterados. Como se ve, el campo de las posibilidades es amplio y no está cerrado.


Es en el siglo XX cuando aparece esta modalidad artística, formando parte de las vanguardias artísticas que pretendían acercar el arte al ciudadano de a pie. Entre ellas, los surrealistas primero, los seguidores del grupo Fluxus después, o los cercanos al Pop Art, produjeron libros de artista, como también los integrantes del Arte conceptual utilizaron ya esta práctica artística.


Asimismo el Arte postal, con sus peculiares características, hace uso de esta modalidad creativa, produciendo pequeñas ediciones de libros intervenidos, alterados, o editados con intervención de medios como el grabado, los medios digitales, la fotocopia, o simplemente a mano.



Destacados:


IRMA BOOM














Brian Dettmer

El Cirujano de Libros’, Brian Dettmer —escultor de profesión— se dedicaba principalmente a producir pinturas basadas en el lenguaje de señas, la clave Morse y el Braille. Posteriormente se enfocó en crear obras dónde pegaba diversas capas de periódico sobre tela.

Dettmer toma libros obsoletos, diccionarios y enciclopedias —que de otro modo acabarían en un vertedero—, les da un nuevo significado y la oportunidad de una segunda vida, al tallar sobre ellos impresionantes obras de arte con su propio contenido.

No solo se trata de cortar con mucha precisión y haciendo uso de herramientas no aptas para esta labor, o de conservar imágenes y textos del libro original. La verdadera complejidad de estas piezas es saber qué dejar y qué quitar.

Por si un libro no fuera los suficientemente complicado, Brian ha empezado a trabajar otras configuraciones, como crear formas redondas o bien, utilizar más de un libro para tallar sus preciosas esculturas.

Ilustradores destacados

Geraldine Georges

El trabajo de Geraldine Georges es muy potente. Sus ilustraciones, mezcla de foto real y dibujo tienen una enorme fuerza visual; si te quedas mirándolas fíjamente, hipnotizan.


Geraldine Georges es una ilustradora y diseñadora gráfica de Bélgica. Geraldine combina fotografía y formas orgánicas para crear excepcionales piezas. Sus trabajos han sido publicados y utilizados en revistas de moda y campañas de publicidad. Un estilo muy personal y místico. Su portafolio se podría considerar como una fuente de inspiración.

Johnny Dombrowski

Johnny Dombrowski es un ilustrador procedente de Connecticut, USA, que actualmente vive en Nueva York, donde estudió una Licenciatura en Bellas Artes con especialidad en Ilustración en la Escuela de Artes Visuales. Johnny utiliza pluma y tinta para crear sus ilustraciones que posteriormente colorea utilizando medios digitales.

Sus ilustraciones están cargadas de fuerza, movimiento y ferocidad

Diferentes Estilos en el Diseño de Viñetas

Manga Japonés

El Manga japonés, siempre se ha caracterizado por disponer de viñetas más grandes en comparación con los cómics europeos o americanos. Una novela grafica europea podría tener muchas líneas horizontales de viñetas por páginas, y no destacar especialmente la importancia de una viñeta por su tamaño. El lector sabe lo que está leyendo, y descubre las acciones dándole más o menos importancia según su propio interés, y no como se lo transmita el autor. Sin embargo, en el Manga, es como si el mismo autor nos señalara con el dedo qué viñetas son momentos épicos y cuáles momentos para pasar fugazmente con la mirada, o dónde detenernos más a leer y dónde detenernos menos. Es uno de los puntos de narrativa visual por los cuales el Manga se hizo tan popular. 

Aqui le presentamos dos páginas de One Piece para hacer una pequeño análisis sobre el tamaño de las viñetas. Están en japonés, para prestar atención únicamente a el tamaño de las mismas. 

En este segundo caso se demuestra cómo una composición efectiva, que llene bien el espacio de la viñeta, puede hacer que una viñeta parezca "más grande" o simplemente atrape más la atención que otras de mayor tamaño.

Novela Gráfica Europea

Otro estilo interesante de novela grafica, es el Europeo, en este caso investigamos sobre Maus, el autor entreteje continuamente las líneas del relato, haciendo que las viñetas de una narración interrumpan el flujo de la otra, como corresponde a lo que en el fondo es un relato oral.

La disposición de las viñetas en la parte rememorada, usa todos los elementos que el cómic permite para reconstruir la atmósfera emocional de la época o el estado anímico de los personajes(viñetas sin recuadrar, viñetas de formas extrañas, viñetas dentro de viñetas, etc.), conservando siempre el maestro equilibrio entre el distanciamiento y la emoción.

 

 Cómic Americano

CHEW es un cómic americano ganador del premio Eisner, escrito por John Layman, y dibujado por Rob Guillory, publicado por Image Comics

Nos encontramos en EEUU una nación en la que, a raíz de la gripe aviar (que mató a 23 millones de americanos), se ha vetado el uso y consumo de pollo. Como podréis imaginar la prohibición de pollo ha traído mucha cola, de ahí que la FDA (Food and Drug Administration) se haya convertido en el órgano policial más importante de Estados Unidos. Y aquí es donde entra Tony Chu, un cibópata, es decir, una persona que posee la habilidad de captar sensaciones psíquicas de los alimentos.

Resumiendo, Tony puede comer una manzana y saber exactamente cómo fue recolectada y su vida y milagros en su manzano, o comer un trozo de jamón y saber cómo murió el cerdo. Las reglas del juego se ponen bien claras al comenzar el cómic. Así pues el joven cibópata es reclutado por la FDA y tendrá que usar sus habilidades especiales para resolver un caso a la semana.

‘Chew’ es ante todo un cómic procedimental. Para los que no estéis familiarizados con el término (del inglés procedural), se emplea sobre todo en la televisión para calificar a las series policíacas, médicas, judiciales… que tienen en cada episodio el “caso de la semana”. Pues creo que esa calificación se aplica aquí totalmente ya que en cada número nos vamos a encontrar en un caso. De hecho, la noticia de su posible adaptación a la televisión me parece hasta natural.

La verdad es que el hecho de encontrarse con un cómic con números autoconclusivos es muy raro de ver, ya que la tendencia es la de usar de tres a seis números para desarrollar completamente una saga. Layman, sin embargo, tiene las cosas claras y apuesta por desarrollar cada historia en veintipocas páginas mientras que poco a poco intenta dibujar un hilo conductor que cuente las tribulaciones que acechan al pobre Chu.

Webcomic

Hanna is not a boy's name:

Hanna Is Not A Boy's Name es un webcomic creado por Tessa Stone. Este narra la historia de Hanna Falk Cross, un pequeño investigador paranormal extraordinario. Más que extraordinario, lo intenta. Pero la mayor parte del tiempo falla. Su equipo está formado por su ayudante zombie (el cual hace también de narrador), un vampiro novato que no sabe nada sobre los de su tipo, una chica licántropa, un doctor misterioso y huraño, entre otros.

Está organizado por capítulos autoconclusivos que a la vez narran una historia más larga. 

Estudio Ghibli-'Concept art'

El Estudio Ghibli es un estudio japonés de animación, y considerado por la crítica especializada y muchos cinéfilos como uno de los mejores estudios de animación del mundo en la actualidad.

Fundado en 1985, está dirigido por el altamente galardonado director Hayao Miyazaki (宮崎 駿 Miyazaki Hayao) junto a su colega y mentor Isao Takahata. Sus orígenes datan de 1983, con la película Nausicäa del Valle del Viento (風の谷のナウシカ Kaze no tani no Naushika, 1984)

Miyazaki es gran amante de la naturaleza, lo que deja entrever en todas sus obras, sus mundos son fantasticos y surrealistas lo que da a sus producciones un cariz diferente a muchas otras peliculas de anime japonesas.

Una de sus películas más conocidas como aclamadas por la crítica es 'El Viaje de Chihiro' 

A lo largo de la película se nota que las figuras están diseñadas a mano, con una riqueza artesanal a la que no llegan las generadas por computadora, más uniformes y estandarizadas. Los interiores palaciegos están construidos con gran riqueza cromática pero sin sobrecarga ni barroquismo.

Hay en todo momento un equilibrio y una elegancia admirable, fruto de una técnica depurada que tampoco busca exhibirse y se muestra a través de la naturalidad de los movimientos, la armonía de los colores, la sutil expresividad de miradas y gestos, la maravillosa fantasía en el repertorio de toda clase de seres, humanos y no humanos.

Les dejamos algunas imágenes del diseño de personajes y escenarios para las películas de este estudio.

Nuevas secuencias

Daniel Clowes 
es un historietista estadounidense. Además, ha realizado ilustraciones para gran número de revistas, como The New Yorker, Details, Esquire o Village Art, entre otras muchas; carteles para el cine (entre ellos el de la película de Todd Solondz Happiness; e incluso dibujos animados (el vídeo "I don't wanna grow up" de The Ramones).Algunas de sus obras mas reconocidas son varias series de historietas agrupadas bajo el nombre de Eightball.

Las últimas entregas de Eightball son los números 22 ("Ice Haven", 2001) y 23 ("The Death-Ray", 2004), concebidos como narraciones independientes y publicados a todo color y en formato de gran tamaño. Para la primera de ellas, inventaba el término "comic-strip novel" para evitar el de novela gráfica, entonces en controversia.

Y quizás su trabajo más personal y notable sea Ghost World ,que fue llevada al cine por Terry Zwigoff, en la cual Clowes adaptó su propio guión para la película, por la que recibió una nominación al Óscar.

En una entrevista para “El Cultural” se nos muestra a un Clowes bastante apocado e incrédulo de su propio talento.


"- No puedo cansarme de Enid y Rebecca. Sé que muchos autores reniegan de su obra más famosa y que les molesta que les pregunten por ella, pero no es mi caso, aunque sé a lo que te refieres. Sin embargo, me siento muy orgulloso de este libro porque es muy personal, en él hay pensamientos muy profundos de un momento de mi viday me gusta. (…) ”No me han hecho rico pero es un libro que sigue vendiéndose ¿Desde hace cuánto? ¿13 años? Es como tener un hijo al que envías al mundo y que, cada cierto tiempo, te manda un cheque a casa. Incluso mejor, porque los hijos ya no hacen esas cosas. Es un dinero por el que no tengo que trabajar y estoy muy agradecido por ello”, se alegra el dibujante.



-¿Por qué esa seguridad tan tajante de que les habría ido mal en la vida?
- No, mal no, en realidad para mí estos personajes tenían ese tipo de personalidad rebelde que indica que acabarían encontrando su lugar en el mundo. Probablemente habría sido un final feliz, pero no me gusta decirlo.

- Me imagino que cuando habla de rebeldía se refiere más a Enid, la verdadera protagonista. Es ella quien se opone a cualquier rutina, a cualquier acto de normalidad. Y, sin embargo, usted que es artista se siente identificado con Rebecca, más dócil, más silenciosa. Jamás lo habría imaginado.



- La adolescencia de hoy en nada se parece a la de los que fuimos adolescentes en los 90. ¿Podría haber creado Ghost World en el mundo actual?
- Habría sido una historia totalmente diferente. Probablemente las chicas pasarían mucho más tiempo en casa conectadas a Facebook y a ese tipo de cosas. Sería difícil construir una trama con estos ingredientes.

- Porque no hay trama alguna en un joven colgado de un ordenador.
- No, la verdad es que un personaje sentado en una mesa no tiene mucho interés. Pero, insisto, me encanta que la gente joven lea este libro en el que no aparece un solo teléfono móvil ni ninguno de los parámetros básicos de su mundo. Esto me hace pensar que la obra debe desprender algo a nivel emocional.
(…)"

http://lamula.pe/2011/12/19/el-arte-de-daniel-clowes/prueba2009 

https://www.youtube.com/watch?v=Frvp_kAoqnY

David Mazzucchelli

es un dibujante de cómics estadounidense, recibió su formación artística en la Rhode Island School of Design y empezó como profesional en el mundo de la historieta a principios de la década de 1980. Tras varios años trabajando para Marvel Comics y DC Comics (destacando su trabajo en Batman: Año Uno y en Daredevil: Born Again, ambos guionizados por Frank Miller), abandonó el género de superhéroes para centrarse en otros temas.


En su obra Asterios Polyp, toma una perspectiva completamente distinta, el de una obra sugerente y abierta.

Por un lado, analiza las propiedades formales del medio, y por otro plasma sus inquietudes personales, sus dudas y miedos privados sobre temas universales.
El autor reflexionará sobre temas tan variados como la creación, la religión, la muerte y las relaciones personales. 

El color, esa característica de la naturaleza que sólo está en la percepción humana, actúa así como medida de la identidad de la realidad. Pero, también, en ese uso de la tipografía y el trazo tanto como definidores de la personalidad de sus personajes, que son caracterizados únicamente desde el grafismo sin necesidad de descripciones literarias, como descriptores de situaciones y sentimientos, en un ejercicio de economía narrativa que apuesta por el dibujo como la voz de la historieta.

El uso de las diferentes tipografías y la forma de los bocadillos, que Mazzucchelli intenta que se ajusten a la personalidad de cada personaje, el uso de las viñetas de pensamiento con dibujos en lugar de palabras, y la manera en la que juega con las viñetas para lograr los mismos efectos que conseguiría con voces reales que se oyeran en una película: superpone unos a otros para indicar que los personajes se interrumpen y, sobre todo, hay una secuencia en la que Hana y Asterios se empiezan a atropellar y a hablar a la vez y los rabitos de sus bocadillos